"Ganamos Perdiendo" es el segundo disco de Anabel Lee; once canciones que rebosan punk, post punk, indie, rock y new wave.
En este trabajo, el cuarteto ha introducido sintetizadores y teclados Hammond apoyando sus habituales y potentísimas baterías y guitarras. Es el disco que el grupo quería hacer para ser disfrutado escuchándolo pero también para defenderlo en sus directos.
En las letras, como ya es marca de la casa Anabel Lee, hay rabia e inconformismo conviviendo en con la ironía y una carga romántica y melancólica.
Comando Suzie, estandárte de la escena dark barcelonesa, presenta su nuevo Mini-LP titulado "Los Últimos Golpes".
Con este trabajo, la formación recupera la esencia de sus anteriores álbumes, combinando guitarras góticas y post-punk con sintetizadores y ritmos electrónicos. Pero no es el único regreso: el guitarrista Èric Palaudàries vuelve al Comando como una pieza imprescindible para empezar esta nueva era.
"Los Últimos Golpes" presenta las dos caras de Comando Suzie: la más pop y electrónica, y la más oscura y guitarrera. Una dualidad que resulta en un disco cautivador, sin perder en ningún momento su sentido del humor e ironía.
Una filosofía que también se refleja en la portada del álbum: diseñada por Irene Figueres, Comando Suzie homenajea al film ‘Vivir Su Vida’ de Goddard, y quizás es esa presencia de su protagonista Anna Karina la que nos muestra los claroscuros de su lirica.
En "Los Últimos Golpes" apareces desde los temas más románticos y costumbristas hasta aquellos más oscuros y retorcidos. La voz de Raúl López se adentra en nuevos registros, oscuros y sensuales en algunas canciones como "Marea Negra" y "Mistress", esta última con una base electrónica potente y guitarras post-punk de corte Darkwave a cargo de Èric Palaudàries. Pero también encontramos ese reverso luminoso y cálido en otras como "La Chica del Chándal" (con influencias del tecnopop, el italo, el indie y la canción ligera) y "Otra Vida".
Enriqueciendo aún más el sonido del álbum, el disco cuenta con las colaboraciones de Eva Ma Galdón en los coros y Demian Recio en el bajo. El proceso de mezcla y masterización ha estado a cargo de Santi Capote en The Punch.
El disco nos envuelve en una atmósfera oscura y asfixiante, con las inconfundibles historias de amor, fetichismo y disciplina, fantasías prohibidas y oscuras en apenas 6 cortes. que caracterizan la música del grupo.
Con "Los Últimos Golpes", Comando Suzie demuestra que su legado perdura y que su sonido evoluciona sin perder la esencia que los ha hecho únicos, Un caramelo de Pop-Goth que seduce y atrapa.
En un panorama musical actual saturado de sonidos fugaces y letras vacías, pocos artistas poseen la innegable facultad de trascender y conectar con el alma de su audiencia a través de sus canciones. Entre estos raros talentos se encuentra Vicky Gastelo, una artista que ha demostrado una y otra vez su habilidad para llegar directo al corazón.
Originaria de la encantadora ciudad de Torrelavega en Cantabria, Vicky Gastelo se encuentra en un momento de celebración, ya que nos presenta su más reciente creación musical: el álbum titulado "Capricho".
"Capricho" es un brillante testimonio de la maestría musical de Vicky Gastelo, y marca un emocionante capítulo en su prolífica carrera. Este sexto trabajo discográfico, lanzado de forma independiente, es una amalgama de emociones y sonidos que reflejan la autenticidad y la pasión que la artista derrama en cada una de sus composiciones.
El álbum se destaca por la audacia creativa de Gastelo, quien ha decidido concederse algunos "caprichos" artísticos en forma de canciones como 'Quédate en mi casa', 'Se va a romper', 'Me fui' o 'Pero no duermes conmigo'. Estos temas no solo resuenan con una profundidad lírica, sino que también marcan un momento especial al contar con la colaboración de cuatro grandes amigos, compañeros de escenario en innumerables ocasiones, pero con quienes no había compartido el espacio de un disco. Shuarma, Alis, Marwán y Funambulista, nombres emblemáticos en la escena musical, aportan su singularidad a estas canciones, tejiendo una sinfonía de emociones entrelazadas.
Vicky Gastelo, a lo largo de su carrera, ha forjado una conexión especial con su audiencia, y "Capricho" no es la excepción. Cada nota, cada palabra, parece ser un testimonio de su viaje emocional y creativo. Desde baladas que tocan las fibras más íntimas del corazón hasta composiciones enérgicas que invitan al movimiento, el álbum es una experiencia sensorial que cautiva desde el primer acorde.
En un mundo donde la música a menudo se convierte en un mero producto de consumo, "Capricho" se alza como un recordatorio conmovedor de la capacidad de la música para ser un vehículo de expresión genuina y conexión humana.
Vicky Gastelo, con su talento innegable y su enfoque apasionado, nos brinda un regalo musical que trasciende el tiempo y las tendencias, dejando una marca imborrable en el panorama musical contemporáneo. "Capricho" es, sin duda, una joya que merece un lugar destacado en el corazón y en la playlist de cada amante de la música con alma.
Las canciones de "Ruinas Futuras" aparecieron en las notas de voz del móvil de Guillermo Farré como por arte de magia.
Tras "Torres Blancas" (2017), último disco de Wild Honey hasta la fecha, la vida de Guillermo dio varias vueltas de campana al ser padre por partida doble en menos de dos años.
Entre la paternidad y el trabajo de oficina, el tiempo pasó a la velocidad del rayo, con apenas espacio para dedicarle a la música, o eso creía él.
En un viaje en tren, Guillermo empezó a escuchar las notas de voz que había ido acumulando en el teléfono. Descubrió esbozos de canciones en los que, bajo balbuceos, llantos y gritos de niños, se escuchaban pianos, guitarras y ahahahs desafinados que no recordaba haber grabado. Fue como abrir un baúl abandonado en un ático por un inquilino anterior.
Para convertir ese puzle de piezas minúsculas en un disco, Guillermo recurrió a Remate, el músico con el que, en estos últimos años, ha colaborado componiendo y produciendo bandas sonoras de manera casi simbiótica. Enseguida tuvieron claro que querían aplicar la experimentación en la producción de bandas sonoras al formato de canción clásica.
Pero la vida de Guillermo dio otra vuelta de campana, una mundial, y los planes de grabar el disco de manera tradicional saltaron por los aires con el comienzo de la pandemia.
Guillermo y Remate comenzaron a trabajar a distancia, con videollamadas continuas y con archivos que iban y venían por la red, la siguiente mutación de las notas de voz del móvil de Guillermo.
Fueron meses de trabajo a distancia, que abrieron también la oportunidad de colaborar con músicos confinados en diferentes ciudades. Shawn Lee, se encargó de las baterías y las percusiones desde Londres; Javier Lorente y Anita Steinberg se encargaron de los bajos y los coros desde Berlín y el disco lo remató, Ali Chant, mezclando las canciones en su estudio de Bristol, donde había mezclado con anterioridad a artistas como Aldous Harding o Perfume Genius.
El resultado es Ruinas Futuras. Un disco de canciones que aparecieron de la nada, grabado en las circunstancias más extrañas que nos han tocado vivir y que habla sobre los momentos en los que la vida da un vuelco, aunque no sepas en qué dirección.
En la portada vemos a Guillermo Farré suspendido en el aire en lo que es al mismo tiempo una caída y un ascenso. Un momento de euforia y la antesala de un batacazo. Tu vida congelada en un instante que no lograrás comprender hasta que pase mucho tiempo. Como en sus trabajos anteriores, la portada es de Grande Graphix, con fotografía de Yago Castromil.
Es un disco de canciones redondas, donde se cruza lo íntimo con la ciencia ficción. Arreglos de cuerdas y de metales con sintetizadores ondulantes. Loops de percusiones con trémolo y reverberación infinita resonando entre las ruinas de una ciudad postapocalíptica cinematográfica. Un disco encontrado en el que Guillermo Farré habla sobre las vueltas de campana que da la vida y en el que ha plasmado la mejor colección de canciones de su carrera.
Está producido por Jimmy Hogarth y cuenta con contribuciones de Leo Abrahams, Chris Vatalaro, Sam Dixon y Rob Moose.
Anohni se enfrenta una vez más al abismo de la melancolía, abrazando la experiencia sin forzarla, permitiendo que los hilos del destino se entrelacen de forma natural. Su mirada se proyecta hacia el significado trascendental que albergaba "What's Going On" de Marvin Gaye hace medio siglo, como un faro que ilumina su camino creativo.
En el núcleo de su ser, Anohni se deleita en la creación de canciones que perduren eternamente en la memoria de quienes las escuchan, entrelazando hilos emocionales con notas y letras impregnadas de su esencia única.
En su último álbum levanta el telón con "It Must Change", un inicio onírico que despierta el anhelo de reunirse con un viejo amigo, como si el tiempo se desvaneciera en un abrazo emocional. Luego, en "Go Ahead", la llama interior se enciende con un impulso arrollador que la lleva hacia una protesta ardiente y desatada. La portada del álbum, protagonizada por la activista Marsha P. Johnson, sirve como preludio revelador de las poderosas narrativas que se despliegan a lo largo del viaje sonoro.
A medida que nos sumergimos en "Silver Of Ice", el abrazo se transforma en un refugio amable y sincero, un remanso de paz en medio de la tempestad.
En esta travesía, nos muestra su faceta más desgarradora, rescatando las últimas palabras que Lou Reed dejó sobre su escritorio, permitiendo que su espíritu perdure a través de su música.
Los últimos acordes de "Can't" nos sumergen en un contraste que emana una euforia cautivadora. Con la guía de Jimmy Hogarth, mago de la producción musical (reconocido por su trabajo con artistas como Amy Winehouse y Tina Turner), y la colaboración de Leo Abrahams, Chris Vatalaro y Sam Dixon en el estudio, "My Back Was A Bridge For You To Cross" se mece en la delicadeza de la música soul, arropada por los arreglos exquisitos de cuerdas creados por el talentoso Rob Moose, cuyas contribuciones sublimes en temas como "Scapegoat" elevan la experiencia sonora a nuevas alturas.
La voz arrebatadora y suave de Anohni nos envuelve en canciones como "Rest", una joya lírica y profunda en la que emergen sus rasgos distintivos, los cuales la han convertido en un icono y una leyenda en la industria musical. Y después encontramos el diamente en bruto del álbum, la preciosa y melancólica "The Wasn't Enough"... que belleza de canción.
Y aunque podríamos seguir exaltando la excelencia de "Why Am I Alive Now" y, como colofón, la pieza que define su esencia, "You Be Free", es fundamental resaltar que Anohni regresa a la escena con una libertad inquebrantable, despojada de prejuicios y, sobre todo, llena de una serenidad máxima que solo puede ser sostenida por el tesoro invaluable de su talento innato.
Ante este renacimiento artístico, solo podemos recibir a Anohni con una bienvenida cálida y llena de afecto, conscientes de que su presencia iluminará nuestros corazones y mentes con cada nota que interpreta y cada palabra que susurra al viento.
Este esperado álbum, que sucede al icónico "La Síntesis O'Konor", marca un nuevo camino musical para la banda, explorando nuevos sonidos y expandiendo su universo sonoro.
"Súper Terror" consta de 10 canciones, entre las cuales ya hemos tenido un adelanto de 4 de ellas: "Tantas cosas buenas", "Medalla de Oro", "Diamante Roto" y "El Universo". Estas pistas previas han generado gran expectación entre los fanáticos de la banda.
El álbum fue grabado en los reconocidos estudios Sonic Ranch en Texas, Estados Unidos, lo que le brinda un sonido renovado y una frescura única.
A lo largo de este álbum, El Mató a un Policía Motorizado nos lleva en un recorrido heterogéneo, manifestando en sus formas y registros un momento especial para la banda: el período posterior a la pandemia. A partir de aquí, emerge una nueva red de significados, con un futuro incierto, rupturas y nuevos comienzos que se entrelazan inevitablemente. Cada escena es contada con la poesía precisa de Santiago Motorizado, complementada por las melodías épicas y entrañables que son la marca registrada de la banda.
"Súper Terror" es un testimonio del crecimiento y la evolución artística de El Mató a un Policía Motorizado. Con su distintiva fusión de letras introspectivas y melodías envolventes, este álbum promete llevarnos en un viaje musical lleno de emociones, en un universo sonoro que nos invita a explorar y descubrir nuevos horizontes.
"Siempre es difícil para un artista resumir o explicar una obra. Todos los álbumes que grabé son hijos de su tiempo y de las vivencias que rodearon la grabación y la composición. Suenan así por las circunstancias que precedieron y acompañaron la escritura y la interpretación de los mismos.
Un álbum es una experiencia interpersonal, dependiente del equipo técnico y humano y la localización geográfica durante el proceso creativo y el registro sonoro.
Este es la consecuencia directa de un año crítico en mi vida profesional.
Después de haber grabado dos discos ('Posible', mayo 2020 y 'Curso de levitación intensivo', diciembre 2020) y medio ('El Puerto Ep', diciembre 2021) durante el periodo de restricciones por la pandemia, por fin volvía a la carretera con la primera gira en casi tres años.
La gira coincidía con el 35 aniversario de la publicación de mi primer disco en 1987 junto con mis compañeros de Héroes del Silencio y quisimos que fuera un recorrido por toda mi carrera, desde mi primera etapa junto al grupo, hasta mis últimos álbumes como solista.
Desgraciadamente, la gira fue extremadamente complicada y traumática para mí. Con todo sold out, tanto en México como en Estados Unidos, subirme al escenario se fue complicando día a día y cada vez más. Mis problemas físicos incluían una tos compulsiva y nocturna, que me impedía dormir y destrozaba la garganta y una extraña sensación de arena en los pulmones. Psicológicamente, cada día suponía escalar nuevos ochomiles, en un reto imposible.
Finalmente, cancelamos todos los shows restantes y, desesperado, decidí aceptar que no podría subirme más a los escenarios en esas condiciones.
Durante ese periodo y en los meses posteriores, escribí las canciones del nuevo álbum. Algunas manifestaban la rabia y el descontento provocado por la situación. Otras, se asomaban a un atisbo de esperanza, viendo en la creación, mi última salida.
En bastantes de las canciones incluidas en el disco aparece una mezcla de inquietud y entusiasmo ante algo que podríamos denominar el síndrome Greta Garbo. La famosa actriz sueca, decidió abandonar la escena cinematográfica a la edad de 36 años, en el cénit de su carrera. Las circunstancias me hicieron pensar en que, aunque siguiera escribiendo y componiendo, alejarme de los escenarios, provoca una distancia con el público no del todo deseada. Este álbum es una respuesta al trauma sufrido durante todo este periodo."
Hubo un tiempo en el que más allá de Surfin' Bichos no había nada. La irrupción del conjunto albaceteño, con una escena independiente aún en ciernes, lo cambió todo. Hay un antes y un después de los cuatro álbumes que publicaron entre 1989 y 1993.
Si estos trabajos son considerados obras maestras es porque hablamos de discos únicos, especiales y en sintonía con su tiempo, pero que a su vez lograron proyectarse hacia hacia el futuro.
Es difícil calibrarlo, pero nuestras bandas favoritas de las últimas décadas no hubieran avanzado por el mismo territorio si los Surfin' no hubieran empezado a dibujar el mapa.
“Más Allá” marca el regreso de Surfin' Bichos a la actividad discográfica. Treinta años después, se presentan sin artificios y haciendo lo que mejor saben hacer.
Como si nada hubiera pasado, con la naturalidad de un asesino. Su paleta de sonidos sigue siendo igual de relevante; su música, igual de afilada. Sus canciones dejan huella. Hypes estacionales al margen, los Surfin' suenan a lo que quieren sonar. Esto es: pop bastardo; o un rock raro, un poco torcido. Rock de genética punk o proto–punk, cuya suavidad o dureza viene modulada por la emoción, por la historia que te está contando, pero sin perder su carácter orgánico, su forma animal.
Se trata de un disco cocinado en los altos hornos de la pandemia y los confinamientos de 2020 y 2021. Ese es el contexto en el que fueron escritas y compuestas estas canciones, en la absoluta soledad de un pueblo fantasma. Se encuentran, por tanto, “imbuidas por ese espíritu como de final, de más allá, milenarista”, en palabras del propio Fernando Alfaro.
La trascendencia que evoca conecta con lo que fueron aquellos días; estamos ante un trabajo majestuoso, solemne y autoexploratorio pero sin caer en lo evidente.
Así, avanzamos en la secuencia entre instrumentaciones ricas e imágenes poderosas, como las que nos regalan piezas como “Luz del Mediterráneo” o “El caballo del mar”. Desde luego, la imagen de un caballo galopando por la playa tiene la fuerza suficiente para sostener por sí sola una canción. Igual de gráfica resulta “Máquina que no para”, perfecta para ilustrar el regreso de Surfin' Bichos. En este corte, con el que precisamente arranca “Más Allá”, se sirven de un texto autorreferencial para explicar por qué siguen en esto más de 30 años después de arrancar su andadura musical. La máquina de los Surfin’ no para, no, y aún tiene cuerda para rato.
Cala Vento presenta un nuevo disco cuatro años después de "Balanceo" (Montgrí, 2019), el álbum que les consolidó como una de las bandas de rock alternativo más respetadas del panorama estatal. También fue la primera referencia de Montgrí, su propio sello discográfico hoy casa de otras interesantes bandas como Lagartija Nick, Vulk, Biznaga, Yawners o Los Manises.
Siguiendo fielmente la ideología del “hazlo tú mismo”, en esta ocasión han grabado parte del nuevo trabajo en su propio estudio, construido por ellos mismos a pico y pala durante la pandemia.
Se trata de una producción dirigida por el dúo en la que han participado Martin Glover “Youth”, Emili Bosch y Santi García en calidad de productores, y Jordi Mora como técnico de mezclas. “Casa Linda”, es un disco que augura otro paso importante en la carrera musical de Aleix y Joan, dos músicos inconformistas que siempre intentan dar una vuelta a todos los procesos y formas de hacer las cosas.
Durante la concepción del disco, algunas preguntas y respuestas han rondado por su cabeza; ¿qué sentido tiene grabar otro disco y publicarlo si no vamos a cambiar nada? Las élites seguirán usando el poder en beneficio propio, las desigualdades, la precariedad y los problemas de salud mental seguirán creciendo. Seguirá habiendo “colas del hambre” y colas en el paro, desahucios cada día y ventas de armas por parte de estados supuestamente democráticos a regímenes totalitarios, etc.
Las once canciones de “Casa Linda” intentan buscar alternativas a esta dolorosa reflexión. A veces, un respiro o una tregua, aunque sea por unos instantes, es necesaria. Salir por un momento de la rueda en la que estamos corriendo a diario y del sistema que de forma continuada no paramos de alimentar. Una invitación a refugiarte en el amor de los tuyos, a quedarse en casa durante 37 minutos mientras fuera no para de llover.
En este nuevo trabajo, Cala Vento no pierde su esencia; lograr lo mismo que una banda convencional de cinco miembros siendo sólo dos músicos.
De igual manera, siguen con su peculiar forma de componer, sorprendiéndonos con giros y cambios inesperados. Esta vez, pero, ponen el pie en el acelerador sin dejar de seducirnos con esos estribillos memorables que, inconscientemente, se incrustan en nuestras mentes.
Si en su anterior trabajo unieron mundos tangentes mediante las colaboraciones con Lluís Gavaldà (icono del rock en catalán) y Cándido Gálvez (Viva Belgrado), en esta ocasión se han asociado con Amaral, Gorka Urbizu (Berri Txarrak) y Gospelians de Girona, un coro amateur de góspel originario de Girona.
"Waterhole" es una muestra pura del talento musical de Neuman, quien no solo es un compositor excepcional, sino también un multiinstrumentista y productor sobresaliente. Además, su experiencia como director de orquesta agrega un nivel adicional de sofisticación a su obra musical.
El álbum fue grabado en cinta analógica en el estudio de Neuman en Granada, una casa-estudio que es el resultado de su pasión y dedicación a la música. El estudio es un sueño hecho realidad, lleno de todo tipo de instrumentos musicales, incluyendo 24 guitarras, un piano Petrof, baterías, teclados, amplificadores, monitores y hardware externo. Esta colección de instrumentos es una verdadera joya en manos de Neuman, quien es capaz de crear una amplia variedad de sonidos y texturas musicales con su habilidad y su instrumentación excepcional.
La decisión de grabar en cinta analógica fue una elección sabia, ya que esto le permitió a Neuman capturar el sonido más auténtico y orgánico posible, sin la interferencia de la tecnología moderna. Esto crea una sensación de autenticidad y frescura en el álbum, que se traduce en una experiencia auditiva emocionante y cautivadora.
Además de su habilidad técnica y creativa, Neuman también muestra un crecimiento espiritual y personal en su trabajo. Esta madurez emocional y creativa es evidente en la composición y la instrumentación del álbum, que tienen una profundidad y una complejidad que reflejan una mayor sabiduría y conocimiento de la vida.
En general, "Waterhole" es un álbum excepcional, que es una muestra de la habilidad técnica, creatividad y madurez emocional y personal de Neuman. El uso de la cinta analógica y la amplia colección de instrumentos en su estudio crea una experiencia auditiva auténtica y emocionante, que es un testimonio del talento sobresaliente de este músico excepcional.
"Shanghái Baby" es el nuevo EP de la banda Miss Caffeina.
"Shanghái Baby" nos muestra en sus canciones un aire rupturista respecto a su último disco "El Año del Tigre".
Un punto y aparte que refleja el momento álgido en el que la banda se encuentra actualmente y que marca el inicio de una nueva etapa para Miss Caffeina.
Este reset musical, se presenta en forma de EP compuesto por cinco canciones, crónicas vitales en primera persona sobre las relaciones en un mundo distópico.
Uno sus temas, 'Y de repente', viene acompañada por un videolyric dirigido y realizado por AfterliVe Films que sigue enmarcado en el mismo set que el single predecesor 'Para toda la vida', dando continuidad a los singles, con la misma estética visual noventera.
"Un puño amable" marca un nuevo comienzo para la banda anteriormente conocida como Victoria Ford, ahora simplemente Victorias.
Desde su primer disco, "Grandes éxitos, mejores descartes", han pasado tres años llenos de cambios y crecimiento, lo que se refleja en su música.
Con la ayuda del productor Guille Mostaza, responsable también de los últimos trabajos de Varry Brava y Miss Caffeína, la banda ha logrado crear un álbum pop-rock contagioso y lleno de energía.
El enfoque en estribillos pegadizos y melodías épicas es evidente desde la apertura del álbum con "Abren las casetas", una canción construida para llegar a un estribillo explosivo. La canción que sigue, "Sevilla", es un adelanto irresistible que te hace mover los pies y cantar a pleno pulmón. Canciones como "Te quiero en vasco" y la reinterpretación de "Vida loca" de Pancho Céspedes muestran la capacidad de la banda para sacar lo mejor de otros géneros y ponerlo en su propio estilo.
Aunque "Fin de fiesta", la única balada del disco, puede parecer un poco fuera de lugar en medio de tanta energía y movimiento, la canción es un descanso necesario para apreciar la calidad vocal de la banda y su habilidad para crear melodías emotivas. Sin embargo, es en las dos últimas canciones del álbum, "El truco" y "Ryan Ghosting", donde Victorias muestra todo su potencial. La primera es un estallido de energía y melodía, mientras que la segunda es un punk pop contagioso y gamberro que te hará mover la cabeza sin control.
En general, "Un puño amable" es un álbum divertido e irregular que no pretende ser más de lo que es. La banda reivindica sin complejos su amor por la música ligera y los estribillos que se quedan pegados. Es evidente que Victorias ha encontrado su sonido y está dispuesta a ir a por todas.
Si buscas un álbum para animarte y bailar, no busques más, "Un puño amable" es la elección perfecta.
"Deseo Querer" es el debut del trío barcelonés Diamante Negro,un álbum que representa la autenticidad y la identidad del grupo.
Con 14 canciones, el disco es una estructura valiente que transmite el deseo de querer pero no poder. La voz pura y sin trabas de Benoit respalda el sello desaliñado del sonido del grupo, que abarca una variedad de géneros como guitarras y bajos limpios, cánticos tabernarios y aproximaciones tropicales.
El álbum es fogoso y esporádico, y se diferencia de otros álbumes por no seguir un patrón estandarizado ni depender de estribillos en exceso.
En definitiva, "Deseo Querer" es una señal de que el grupo va en serio y su autenticidad le da un valor único.
Los siempre eficaces Cala Vento, la dupla catalana formada por Joan Delgado y Aleix Turon, tienen cada vez más cerca la publicación de su pertinente cuarto álbum de estudio, y para celebrarlo comparten con nosotros "Conmigo".
Parece que fue ayer cuando la formación de L'Empordà publicaba Balanceo (Montgrí, 2019), su última aventura en formato de larga duración y con la cual lograron consolidarse como banda y como proyecto estable dentro del sonido underground patrio, ejerciendo además de palanca para llevar su sonido al otro lado del charco y formalizar su proyecto discográfico paralelo desde el que operan actualmente, el sello Montgrí, desde el cual además editan a otras imponentes bandas y propuestas de nuestra geografía musical, como Lagartija Nick, Vulk, Biznaga, Yawners, La Élite o Los Manises.
Por su lado, tenemos la ácida 'Equilibrio', producida nada menos que por YOUTH (miembro de Killing Joke y de The Fireman, junto a Paul McCartney, y productor de grupos como The Verve, Pink Floyd, U2, The Jesus & Mary Chain, entre otros), que a través de sus toques de pop alternativo y rock más enérgico, nos invade con sus depuradas letras en las que combina algo de crítica social ("Todos sabemos que hay algo que no funciona, lo hemos visto tanto en Chile como en Barcelona") con sentimiento ("Con la que está cayendo tú me das el equilibrio").
Por otro lado, tenemos 'Casa Linda' , algo más melódica y sentida y casi considerada una rara avis dentro del repertorio de la dupla, si consideramos esos recursos acústicos prácticamente mínimos con los que pergeñan, eso sí, una diatriba de lo más crítica que tiene como objetivo en su particular punto de mira a la especulación inmobiliaria. Una canción, casi a modo de lamento, con la que dibujan un manifiesto a favor del derecho a la vivienda y a la importancia que tiene ésta en el devenir del ser humano.
La llegada del nuevo álbum de Iván Ferreiro "Trinchera Pop" es sin duda uno de los eventos más esperados y deseados del año por parte de su incondicionable legión de fans y seguidores.
Desde su anterior disco "Casa" en 2016, ha estado ofreciendo una serie de conciertos, pero ha tardado en lanzar material nuevo. Aunque esto podría haber dejado a algunos seguidores ansiosos, la espera ha valido la pena.
El proceso creativo ha sido meticuloso y largo, y se ha llevado a cabo en colaboración con el talentoso productor Ricky Falkner.
En la post pandemia, Iván comenzó a trabajar en nuevas canciones con su equipo de músicos, quienes lo han acompañado durante toda su carrera.
El resultado es un álbum espectacular, lleno de referencias literarias y cinematográficas, que transporta a los oyentes al mundo de Iván. Cada canción es como una película en sí misma, con imágenes llenas de colores y homenajes que deleitan los sentidos.
El álbum fue grabado en dos lugares: el estudio de Iván, Dondenoshabidusientan, y La Casa Murada, donde se creó una atmósfera única y mágica para grabar las canciones. El resultado final es un disco explosivo, redondo y lleno de energía.
Canciones como "En el alambre" son enormes y poderosas, mientras que "La humanidad y la tierra" rinde homenaje a nuestro planeta y su belleza con es hipnótica sintonía del mítico programa "El Hombre y La Tierra", del legendario naturalista Félix Rodríguez de la Fuente que falleció en Alaska el 14 de marzo de 1980 .
"En las trincheras de la cultura pop" es una apoteosis clásica que ilustra la pasión de Iván por la música y su compromiso con la cultura pop.
En general, este nuevo álbum es una obra maestra que supera todas las expectativas. Iván ha creado un conjunto de canciones que demuestran su madurez como artista y su capacidad para explorar nuevas dimensiones de la música. No hay duda de que este disco será uno de los más destacados del año y una joya para los fans de Iván y de la música en general.
El talentoso músico almeriense Fino Oyonarte ha lanzado un nuevo álbum que sigue el camino íntimo y confesional iniciado en su anterior trabajo "Sueños y tormentas".
En este nuevo trabajo, Fino se desnuda emocionalmente, mostrando su lado más sensible y personal, y confiando en una melancolía sabia y serena para entregar once canciones que exploran ambientes e instrumentaciones pop.
En su música, Fino no oculta sus influencias de The Beatles, Elliott Smith y Leonard Cohen. Su enfoque musical es cálido, austero y directo, y busca capturar lo esencial de la experiencia humana, algo que a menudo damos por sentado.
La simplicidad de sus arreglos, interpretados por músicos amigos como Joaquín Pascual y Phillip Peterson (Nada Surf, Lana del Rey), transmite una sensación de clasicismo y elegancia.
Las canciones de Fino Oyonarte están llenas de valores universales como vivir en el presente, ser agradecido con lo que tenemos, gritar menos y aceptar quiénes somos. Canciones como "Avanzar", "Tempestad", "Forma de ser", "Naufragar" y "La vida es un sueño" son ejemplos de su habilidad para destilar la vida en pequeños detalles.
En conjunto, su álbum es una obra elegante que captura la belleza de los momentos aparentemente simples que dan sentido a la vida.
